王宁，中国职业书画家。现为山东美术家协会会员，中国职业书画家，一级美术师，北京长城书画家协会会员，北京国画艺术家协会山水创研室副主任，中国艺术家联合总会展览部主任，张贤国画工作室画家。师从刘连河先生，张树立先生，张贤先生，书法、绘画造诣颇深，书法尤以小楷见长。

王宁，中国职业书画家。现为山东美术家协会会员，中国职业书画家，一级美术师，北京长城书画家协会会员，北京国画艺术家协会山水创研室副主任，中国艺术家联合总会展览部主任，张贤国画工作室画家。师从刘连河先生，张树立先生，张贤先生，书法、绘画造诣颇深，书法尤以小楷见长。

王宁多年来致力于研究和传承北方山水画派的精髓，尤其是在国画长城的绘画上，在传统和创新的交汇中走一条自己的路。 借鉴运用多种绘画语言, 将具有时代感的大自然的美寓于传统的笔墨构架中，形成了风格突出的新型的山水画风貌。近些年来，以极大的热情呼吁对长城山水的重视，努力开创当代北派山水创作的新格局，2016年全国中国画作品展 作品《一晓入太行》入选“吉祥草原.丹青鹿城”，引起很大反响，业内也充分地肯定了“重振山水雄风”这一主题。

【中国书画网记者】：您从什么时候开始喜欢山水画的呢?

　　【王宁】：准确的说是受家人的影响，因为我父亲是一位教书的先生，平常就喜欢研究一些山水字画什么的。耳濡目染的，从小就开始热爱美术。十几岁时便拎着颜料桶在家乡挨家挨户的画照壁，壁画。

　　刚开始，我比较喜欢的书法，常常练习小楷，后来一次偶然的机会喜欢上山水画，哪种初初接触山水画，就被山水画的自然艺术，精致的风景所吸引，而后在慢慢的了解中越来越爱，以至于爱了近三十年。

　【中国书画网记者】：在您的山水画创作中，你最为满意的一幅山水画是哪一幅呢?

　　【王宁】：也不能说最满意，就拿《太行新绿》这副画来说，不能说多有代表性，但却是我付出心血之作。

　　《太行新绿》这副山水画，是我与妻子早年一起游太行山之时便开始着手的，在那次的游玩中，深入到太行，才感受到咱们祖国的大好河山是何等雄壮威武，山水之美也真只有亲身经历才能深刻的体会。

　　【中国书画网记者】：您作为当代山水画家中的领军人物，能否给我们介绍一下您对于山水画的见解。

　　【王宁】：中国山水画，历来注重笔墨，然注重笔墨并不代表着要大家“玩弄笔墨”。自认为“潇洒、淋漓”，不在状态内作画，不会出高水平的作品，也画不出中国山水画的写意境界。

　　一位年轻的画家，大笔一挥，一气呵成，完成了一幅作品，也赢得了周围朋友的掌声。一位老画家，在全神贯注的进行创作，他沉思着如何下笔，很宁静的一个状态，也许大家看到他作画会觉得沉闷枯燥。如果这个时候，让你选择，你会比较倾向于选择哪一位老师的作品呢?

　　不得不说，这位年轻的画家，“够潇洒，用笔飘逸，下笔肯定，水墨淋漓!”不少年轻人一定会觉得这位画家很了不起，他的中国画水平很高，其实这种玩弄形式的“笔墨”不代表水平，这样“玩弄笔墨”是一个的误区。相反之，年老的画家更注重的是画的本身，注重所创造的画的意境，于是他沉思下笔，认真的雕琢每一件他心中的中国山水画。也许你不能理解，也许你觉得枯燥，然从另一个角度来说，这也就很好的解释了为什么年龄越大的画家越受人们追捧。

【中国书画网记者】：中国山水画发展到今天，您觉得当代新山水画和传统的山水画有什么不同?

　　【王宁】：新山水画我认为它应该是百花齐放，风格多样的。首先它应当是有一种新意，是有所创新的。说到创新，我觉得艺术的创新应该同步于科技创新。世界进步需要人类不断的开拓创新，创造出新的成果推动社会前进。艺术的创新，也应当随着社会的发展不断地呈现。但我并不认为创新是画家成天苦思冥想，追求与众不同的特殊的的样式或符号，别出心裁炮制出来的一种东西。一个有所追求的画家，他在艺术实践中在对风格的探寻中有自己的独立性，自然而然形成了一种面貌，而不是一种牵强附会制造出来的那种所谓的创新。

　　现在有人问我新北派山水应当是一种什么样子，我说新的北派山水不应当是某一种风格或样式，而是在基于北派大山水理念的基础上，各具特色，风格越多样越好。山水画家一是很好地继承传统，二是不忘我们的时代责任，专心画自己的画，将自己的真情倾注于笔端，画自己胸中丘壑，这样才能出现重振北派山水的新的局面。

【中国书画网记者】：听说您的山水画作品现在已授权易从网，这是真的吗?

　　【王宁】：是的，是真的。之所以想在易从网上售出自己的山水画作品，一方面考虑的就是很现实的问题：生存!前些年由于家中的一些变故，迫于生计，有些字画不得不选择出售。

　　另一方面可以说是易从网成功的说服了我，既然作品创作出来都是用来欣赏的，以哪一种形式来欣赏传播又有什么区别呢?而且我并没有觉得这样做有何不妥之处。

　　【中国书画网记者】：近些年来，人们都反映艺术市场比较乱，您能不能谈一下对当前艺术市场的看法?

　　【王宁】：至于说到美术作品的市场问题，我认为一件艺术作品能否在历史上流传下去，是艺术作品水平高低的一个最根本的检验。

　　一件艺术作品的价值首先在于它本身的艺术质量，它有没有一定的内涵，有没有高超的技艺，有没有独树一帜的风格，这应当是一个历史的检验标准。其实世界上其他国家也并不象中国这样看重名头，那些国际上的大师们都当什么官或在美术界任什么职吗?有一些大师就是平头百姓，但他们的画在历史上却是不朽的。

包括中国在历史上也是这样，当然一些高官的作品留下来的机会可能会多些，但真正好的作品往往出自民间。像清朝的扬州八怪，就是在社会上画画和卖画为生的，四僧更是在民间。书画家们把精力不是用在画画上，而是争先恐后打破头去争职务争名位，这也是当今社会造成的一种怪相。我认为这只是一时的，归根结底，画家还是要把力量用在自己的创作上，下功夫研究传统突破创新，提高自己的作品的艺术水准，要“用画说话”，只有这样多出精品，得到社会的认可，市场才会顺其自然地慢慢形成，这样才会有艺术市场的良性循环。

藏家也应当对艺术市场应当有一个清醒的认识，提高文化素养和对艺术品的鉴别能力。其实各种风格流派都会出好的作品，比如象荷兰的凡高，作品一看就知道是他的，他的笔触灵活跳动，色彩异常斑斓，跟别人就是不一样，让人看起来有一种强烈的美的感受，于是他成了大师。

　　收藏的过程也是对艺术认知的提高，既要看到表面的美也要看到深藏的美。如果说虽然自己看着并不美也不喜欢，只是由于画家的地位高名头大就出高价来收藏，其实是可悲的。当然审美水平也不能停留在世俗的层面，有些画可能看起来很鲜艳，很细致，就如人们所说的商品画、行画，它的品格不一定高。这是个品味高低的问题，我们大家要逐渐提高对美的认识，使既高雅又通俗，既有学术水平、又为大众所接受的作品能入法眼。如果画家把功力都用在艺术创作上面，艺术市场也逐步提高鉴别能力，相信我们国家的艺术发展会形成一个更好的局面。